心情象月亮一样多变，无端的感动，常常觉得自己象个傻子一样木然，中国几千年的文化本已沉积的够丰富了，然而又多了世界的文化。世界上大概没有什么比文化的队伍更大。所有的其他东西都可以新的代替旧的，让旧的消失，后来者可以不必去过多的掏根问底。然而文化是个怪圈，只有新的诞生，没有旧的消失。越是久远的越现代。象一个旋转的螺旋圈，永远的整体而无边，不断的沉积，诞生一座又一座的高峰，使得后来者在山谷中迷失方向。转来转去没有找到坐标而失去了最宝贵的时间。

大概一个人能深刻理解太极拳和品茶之道，他也就懂得了中国这个民族的性格。人类用自己的智慧产生了很多表达自己思想感情的方式。绘画是其中的一种。在绘画艺术中，中国画发展了一千多年，形成了自己独特的一套艺术语言。虽然艺术没有人规定应该如何去做，画也没有明确规定应该怎么画，但翻开中国画的历史，还是能发现它有规律可寻，这种规律就是用中国画的笔墨传达思想感情。

从中国绘画史的发展来看，每个时期的绘画风貌都是受到时代环境的影响。构图；笔墨表现方式等都反映着当时的审美趋势。但内在的精神却是亘古不变的。艺术是情感的表达。古人和现代人在外在物质方面是绝然不同，但在精神方面却是一直不变。这也是现代人对古代艺术不知疲倦研究的原因。

我们生活在现代社会里，经济，网络，高科技等，无时无刻不在影响我们的思想。我们生活在现代社会，有感情的去反映生活，表现的绘画艺术自然现代。这是各门类绘画艺术的共性。然而中国画之所以有别于其他画种的标志就是笔墨。我们提出的继承与发展也就是继承传统笔墨和发展现代笔墨。在表达情感上理解古人和表现自己。

从谢赫的“六法论”到石涛的“一画法”，从临摹古人到生活写生，都是在追求一个自然。山水画中“天人合一”的内涵是人如其画，画如其人的最高境界。国画家要表现自己的思想情感就要借助笔墨这种方式表达出来。根据每个人的笔墨功力不同，他表现的水平也有深浅之别。如董其昌所说“以笔墨精妙论，则山水画决不好画。”各种艺术都是相通的，指的是人类思想相通。各种艺术的表现方式千差万别，不是门类人士深入研究是很难理解它的高妙之处的，正如外国人没有深入研究汉语是无法用汉语精准的表达思想的道理。中国画的笔墨就是中国画的语言。这也是有好多有想法的作品算不上好国画作品的原因。

对于笔墨的理解标准有四个层次.

第一阶段是用笔墨造型，也是国画的基本功能。简单的认为笔墨就是毛笔与墨的关系。这一 点几乎所有学过画的人都能做到，并且还能创作出好的作品，掌握了绘画的基本规律借助毛笔与墨来表现，用宣纸；毛笔；水；墨等画西画都属于这一层。

第二层是懂得了笔墨的技巧，是否是中国画的标准。知道了用笔的变化和用墨的效果。“骨法用笔”也就是书法用笔，线条的变化，“折钗股”“锥划沙”等都是用形容用笔的变化。形象的比喻人，便笔是骨墨是肉。用墨（也包括色彩）也就是用水的变化，会用水的作品韵味足。“屋漏痕”“破墨法”等是水的妙用。还有各种特技“撒盐法”“拓印法”；运用丙烯颜料等都是笔墨的范畴。“知百守黑”画面的留白，构图也是一种大的笔墨关系。笔墨的技法有传统的也有现代的，能熟练的运用这些基本功需要量的积累，多临画多看画，试试各种新方法的用运。只有试了才知道喜欢什么笔墨。锻炼扎实的基本功，根据自己的性格喜好有选择的运用和继承。

第三层是选择合适自己的笔墨加以运用并形成自己的面貌。融性情于笔墨，每个画家的性情 不同，他选择的笔墨也不同，表现出来的味道也不同。这一点使得画家们千人千面。也因为这一点所以看一个人的画可以洞悉画家的性格喜好。随着社会或各方面的因素对画家的影响。他的笔墨也自然而然的有所变化。各种笔墨都是为画面的表达需要而加以运用的。“生而熟，熟而生，”是陈子庄难得糊涂的表现。刚劲的线条是力量的美。柔软的线条韵味无穷。恰到好处的用笔墨来表现是一个画家成熟的标志。“元人一笔两笔不嫌少，宋人千笔万笔不为多。”是指笔墨多少的运用。每笔都能找到依据，都能看清师承脉络。是这一层的共性。

第四层是无法之法的创造笔墨。“外师造化，中的心源”“我用我法，自有我在”等等，是 画家经过长期学习，积累和合理运用后，抛开一切固有的笔墨语言束缚，通过写生，思考后创造出来的崭新笔墨语言。达到这点的艺术家都是大家。用自己的语言完美的表现自己的思想。八大清静孤高，石涛诡秘多变，齐白石朴实简洁，付抱石潇洒灵动，李可染稳重虚心，这些大师都是如此。他们的画无一不能从笔墨上窥得艺术家的内心。这一层也许要画家用一辈子的心血去领悟。 笔墨是中国画的基本条件，有了好的笔墨，但表现的作品品位高低也是很重要的.

品位是艺术家的人格和学识修养的全面体现。作品的雅俗没有好坏之分。流行音乐面队高雅 声乐作品毫不逊色。艺术忌讳的是媚俗和媚雅。故意做出来的作品一定不诚恳不自然，也就算不上好作品。艺术来源生活而高于生活，这是艺术家修养的体现。只有具备了这种发现美的眼光，并能很好的表现出来的画家，才是真正的艺术家。有的画家笔墨相当纯熟，表现的对象极力的追求完美，各种技法各种效果都用。但表现的画面没有思想内涵。正如课堂习作，仅仅是表现技法，难度再高，但也只是一张习作。一幅好作品不在乎他是写实或写意，关键在于有没有感情。刘奎龄先生就做的很完美。清代的画家郎世宁技法高超，但后人学者甚少。白石先生所说“妙在似与不似之间”，用极少的笔墨恰倒好处的表现了对象的精神世界，不求面面具到，适可而止。高度的提炼，没有生活基础和高深修养的人是无法做到的。

画家有高深的修养和深厚的笔墨 ，但一生也很难做到件件精品。那是需要在特定的环境中，受到性情，生活等各方面因素的激发所创作出来的。正如王国维形容艺术灵感的创作规律为：1）独上高楼，望尽天涯路。2）衣带渐宽终不悔，为伊消得人憔悴，3）众里寻她千百度，懵然回首，那人却在灯火阑珊处。在一件精品面前是没有败笔的，往往以前看来不太好的笔墨也用的恰到好处。从书法的〈兰亭序〉，〈祭侄文稿〉，等可以得到验证。往往最好的作品最朴实，范宽的“溪山行旅”张择端的“清明上河图”都是传统的千古神品。

我们可在技法上继承传统发展传统和超越传统。但在精神上我们只有学习和借鉴。要时时刻 刻保持着为人处世的的淳朴心态才是真正的传统。